por Alexis Castro

Die Revolution ist Großartig, alles andere ist Quark

El alemán Uli Edel por fin levanta cabeza después de casi dos décadas representadas por un reguero de mediocridades fabricadas en Estados Unidos, y lo hace, como era de esperar, con una producción europea (después de sus magníficos inicios con Yo, Cristina F.,1981, y Última salida para Brooklyn, 1989).

En realidad Der Baader Meinhof Komplex ya se había estrenado en España (incluso está editada en DVD), por lo tanto su presencia en esta edición del festival me resultaba extraña, compitiendo por el premio del público en la Selección EFA. Aún así, como no tuve oportunidad de verla en el único cine de versión original que hay en nuestra ciudad, me decidí por aprovechar la ocasión y verla aquí, en el festival.

La película tiene un ritmo envidiable y te mantiene en vilo durante sus dos horas y media de metraje. La dirección es férrea, sólida. La ejecución de la acción vibrante. Pero creo que el film, pese a toda su buena factura, tiene un problema: la mitificación de los personajes, sobre todo el de Andreas Baader, convertido en una especie de carismática estrella del rock.

La separación de lo que es la objetividad, lo referente a mostrar hechos históricos de relevancia mundial con un envoltorio de espectáculo… estos puntos negros de producción -que son lógicos desde la piel de un productor de cine, pero que no lo son para un cronista que tiene cierto apego por lo que ilusoriamente se llama la verdad histórica- se encargan de restarle seriedad a la historia que se nos cuenta, banalizando los actos terroristas de la Rote Armee Fraktion (Fracción del Ejército Rojo, o la Baader Meinhof, como también se la conoce).

Sus virtudes consisten en trazar con buen pulso y amplia perspectiva la crónica histórica de unos años caracterizados por la convulsión y agitación políticas y sociales.

“Si se tira una piedra, es un acto punible. Si se tiran cien piedras, es un acto político.”

Partir, o las ínfulas de un corsario

Partir, de Catherine Corsini, trata un tema universal y muchas veces tratado por el cine: la infidelidad, el encuentro de un nuevo amor y la liberación de la mujer.

En esta ocasión, aunque quizás no se nos ofrezca nada nuevo, sí cabe destacar la sobriedad con que está hecha la película, la mirada resuelta al encuentro entre Suzanne (una estupenda Kristin Scott Thomas) e Iván, y al desarrollo de su primera amistad y de su posterior enamoramiento.

No llega a desbordar, no emociona en exceso, porque está acusada de cierta frialdad o cierto distanciamiento, pero por lo menos se aprecia y se valora la sencillez y concisión con que está narrada la historia, punteada de escenas eróticas -relativamente generosas- que están muy acordes con el clima general del film, rematado con un final de lo más amargo.

12-11-09

Rebelde con causa

She, a chinese (Ella, una china), de la escritora y directora de cine china Xiaolu Guo, es, para un cronista, la gran sorpresa de la sección oficial.

La directora pasó sus primeros 30 años viviendo en China (estudió cine en Pekín), y los últimos 5 entre Londres y París. Pertenece a la 7ª generación de directores chinos, aunque en China sea, ante todo, una directora underground. El film es, por consecuencia, una co-producción entre Reino Unido, Francia y Alemania.

La historia nos narra la joven vida de Mei, una chica que vive en un pequeño pueblo de China dominado por una serie de constantes tales como el desarraigo y la violencia. Mei está enraizada de lleno en los estragos y las ruinas de esas jóvenes generaciones de los 70’ que iban a por todo y a por nada, aplastadas por un sistema social y económico cuya burocracia sin escrúpulos, cuya truculencia, hacía caer sobre ellos la alargada sombra del no hay futuro.

En la pantalla vemos la violencia ejercida sobre un cuerpo joven de mujer. Vemos un mundo masculino belicoso, en el que ella se rebela contra la falta de amor. “Civilización es un término que tiene que ver con los conceptos de estructura, de comunidad”, nos explica Guo, intentando contextualizar el entorno en el que vive Mei, un entorno donde, nos dice, las personas tienen una forma de vivir violenta.

Sus influencias van desde el Godard de La Chinoise y de Vivre sa vie hasta Van Sant -en boca suya (me permito añadir las reminiscencias en fondo y forma del maestro taiwanés Hou Hsiao-hsien)-, en el retrato de esa juventud fragmentada, tan fragmentada que hasta la rebeldía que poseen está también fragmentada; una juventud que posee una energía tan joven como ciega.

Mei es un personaje que está continuamente en la carretera (metafóricamente hablando), en movimiento, con ese brío desganado que dan los sueños no realizados o, incluso siendo consciente de ello, por no realizar.

La película indaga, con sutileza y sensibilidad, en el choque de culturas cuando la protagonista consigue el suficiente dinero para emigrar a Londres. En su vida en Londres pasa por tres clases sociales, desde que llega como inmigrante, hasta que se casa con un hombre mayor de clase media, donde consigue la nacionalidad, pasando, en último lugar, a compartir los días con un emigrante pakistaní de clase baja. A este respecto Gao sentencia que Mei “está desnuda de todas las vestiduras políticas”.

En definitiva, She, a chinese es una película potente (con una directora igual de potente en persona), que nos ofrece un relato apasionante, en el que seguimos a una magnífica Lu Huang (Mei) en un descarnado y hermoso viaje a través de nuestra sociedad/la sociedad, a través de los hombres y a través de una mujer.

¿Necesitas un reinicio?

Otra gran sorpresa llegó a las 19:45 en forma de extraña y sugerente película lituana co-producida con Alemania: Low lights (Artimos šviesos), de Ignas Miškinis.

Se trata de una enigmática road movie con un planteamiento original (en fondo y forma) que mantiene el poder de fascinación de sus imágenes intacto durante todo el recorrido, sosegado y agitado a un mismo tiempo, elevando la lírica metropolitana y nocturna que invade la pantalla por encima de la historia y de su supuesta trascendencia, aunque con una punzante e insólita personalidad.

El magnetismo de sus tres protagonistas es incandescente -esa suerte de Andy Lau lituano llamado Dainius Gavenonis, la preciosa y sensual Julia Maria Köhler…- y refuerza la extraña belleza de sus subyugantes imágenes. Metálica, moderna, nocturna.

13-11-09

“La vida sin música sería un error”. Nietzsche

Viernes 13, penúltimo día del festival.
9:00 de la mañana. Teatro Lope de Vega.

Se proyecta Nothing personal (Nada personal), ópera prima escrita y dirigida por la polaca afincada en Holanda Urszula Antoniak, y protagonizada por el veterano irlandés Stephen Rea y por la semi-debutante Lotte Verbeek. Ésta última interpreta a una joven errabunda (Anne/Tú) que vaga por los caminos de Connemara, en Irlanda, hasta encontrarse con un solitario personaje llamado Martin (Rea). Llegan a un acuerdo: ella trabajará en la casa y en el jardín a cambio de comida y techo, y, por petición suya, esa será la única relación que los una, nada más: ni charlas, ni intentos de intimación o indagación, ni nada de preguntas personales.

Bajo esta premisa encontramos un testimonio humanista que saca a relucir la importancia del respeto y la comprensión en las relaciones entre personas, todo en un tono cálido e intimista.

La película está inflamada de una belleza fría que admiramos en los planos de los paisajes, las manos sobre las algas, el rostro de Anne/Tú. Y está llena de sutiles recovecos emocionales, los mismos que, a través de las grietas del alma de los personajes, emanan hacia el espectador, subyugados ante la calmada fuerza de la propuesta, llevada a cabo con sobriedad y brillantez.

Un final desgarrado, precioso.

Pipilotti Rist, debí haber tomado ácido contigo

Para gustos, colores. Y para colores, Pepperminta.

La videoartista suiza Pipilotti Rist se pasa al largometraje y al cine con este film salvaje, tedioso y esperpéntico. El asunto básicamente es una suma de ideas visuales más propias del videoclip aunadas sin ningún tipo de coherencia ni cohesión en una pseudo-historia que, finalmente, no es tal o no tiene el mayor interés.

El resultado es estridente, excesivo, repetitivo, sin mesura. Una macedonia de formulas y ráfagas de post-modernidad, una orgía multicolor que falla precisamente en el terco y aburrido empeño de ser visualmente rompedor, de impactar mediante un uso totalmente desorbitado de la cámara y del color.

14-11-09

La solidez de la escuela sueca

Jan Troell sigue siendo, incluso a día de hoy, uno de los grandes cineastas europeos. Desde el año 1996, cuando se estrenó Hamsun, no nos brindaba una obra tan redonda, aunque no magistral. Maria Larssons eviga ögonblick (Los momentos eternos de Maria Larsson) es una película con una técnica y una corrección envidiables, sólida y muy bien hecha.

Se nos cuenta la historia de una madre (perfecta Maria Heiskanen) a través de lo que nos cuenta una de sus hijas. Maria Larsson tiene una cámara de fotos de la que se quiere deshacer para ganar algo de dinero, pero cuando descubre el prodigio de capturar la vida, el instante, la emoción, rápidamente abraza esa actividad como vía de escape ante una vida dura, con muchas responsabilidades y problemas conyugales con un marido borracho y agresivo, un truhán con buen corazón, después de todo.

No se le puede reprochar nada a una película de corte clásico, bella y emocionante como esta, porque no hay fallas en ninguno de los departamentos: la fotografía, el guión y la dirección no tienen mácula alguna y son soberbios en su concisión como conjunto, y los actores hacen un trabajo más que notable.

Simplemente no arrebata.

Noruega acoge a Alvin Straight

Nord (Norte), producción noruega dirigida por Rune Denstad Langlo, es una curiosa road movie -a falta de coches, motos de nieve- ambientada en los nevados y exóticos parajes de escandinavia.

Sencilla, tierna, divertida y bien confeccionada de un extremo al otro. Es lo que es y lo sabe, no dice ser ni quiere ser una cosa diferente, y eso la honra, porque le hace no perder el rumbo y mantener un ritmo y una personalidad firmes, la labor más compleja, creo, que existe en fabricar una película.

La seducción de la mirada aviesa

If… (¿Y si…?), Lindsay Anderson, 1968.

Sería injusto afirmar que el peso de la película lo lleva Malcolm McDowell, pero, sin embargo, no estaría demasiado lejos de la realidad el hacerlo.

La mítica película británica (por la polémica que generó, por la Palma de Oro que ganó) se presenta en el Sevilla Festival de Cine Europeo dentro de la sección Clásicos favoritos. Selección Jeremy Thomas, y nos desvela, como ya hiciera con The innocents, otra porción grande de cine con mayúsculas. En esta ocasión la porción es cínica, osada, y clava sus uñas en el cuello.

La historia se centra en la vida académica de tres alumnos que viven en una institución educativa. Son amigos y están constantemente en contra y rebeldía ante aquellos que poseen la rigidez y la autoridad para ejercer el poder sobre las personas menores que ellos: los pupilos.

Se describen así los sombríos y arbitrarios mecanismos de poder (causa) y rebeldía (consecuencia) en un ejercicio de mordaz y afilada crítica innegociablemente fascinante. El personaje de Travis, a cargo de McDowell, posee un magnetismo y una presencia que llena y colma las escenas con una mirada animal, obscena, salvaje e insolente: los mejores atributos para describir esta película.

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CODA

Palmarés

Giraldillo de Oro Sección Oficial: Lourdes, de Jessica Hausner (Austria, Francia, Alemania).

Giraldillo de Plata Sección Oficial: Nothing personal (Nada personal), de Urszula Antoniak (Holanda, Irlanda).

Premio Especial del Jurado: 44 inch chest (Un pecho de 110 centímetros), de Malcolm Venville (Reino Unido).

Premio a la mejor dirección: Roland Vranik, por Adás (Transmisión) (Hungría).

Giraldillo de Oro a la mejor película documental: Garbo, el hombre que salvó al mundo, de Edmond Roch (España).

Premio Eurimages: Käsky (Lágrimas de abril), de Aku Louhimies (Finlandia, Alemania, Grecia).

Premio de la Crítica, concedido por la Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía (ASECÁN): Nothing personal (Nada personal), de Urszula Antoniak (Holanda, Irlanda).

Gran Premio del Público: Un prophète (Un profeta), de Jacques Audiard (Francia).

Premio Jurado Joven/Universitario: Adás (Transmisión), de Roland Vranik (Hungría).

Premio Extraordinario del Presidente del Jurado (Nicholas Roeg): Pepperminta, de Pipilotti Rist (Suiza, Austria).

Respecto al palmarés, decir que me ha parecido bastante equilibrado, en comparación con otros años, apostando por películas menos convencionales y más arriesgadas, quizás no tan accesibles, como Lourdes con el Giraldillo de Oro, o Transmisión, esta última con dos premios.

Muy consecuente, me parece, el premio del público a la película Un profeta, auténtica demostración de brío narrativo y electricidad sensitiva.

Si uno ha visto alguna película de Roeg, como yo en este festival que pude ver Performance y Bad timing, puede comprender ese extraño Premio Extraordinario del Presidente del Jurado a Pepperminta, premio un tanto sacado de la manga, pero bueno, para mí no tiene la mayor relevancia.

Con respecto a Nada personal, que estaba cantado se llevaría algo, la crítica dijo:

“Por expresar con sutileza y calidez el respeto en las relaciones humanas, propiciando la amistad y el amor entre dos personas desamparadas, en un film humanista que apuesta por la comprensión, con una dirección sobria y llena de matices”.

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El Sevilla Festival de Cine Europeo viene a ser, como muchos otros festivales, una suerte de plataforma residual donde vienen a parar algunas de las cintas que han dado más que hablar en el circuito internacional de los festivales de cine más importantes, esto es: Cannes, Venecia, San Sebastián, Berlín, etcétera. Por eso, secciones como la Selección EFA (largometrajes preseleccionados por la European Film Academy para los premios anuales europeos, compitiendo por el voto del público) o Eurimages (selección de largometrajes europeos co-financiados por los fondos del programa Eurimages de la UE) están compuestas por películas que ya vienen avaladas, y se presentan, a la misma vez, como reductos donde encontrar verdaderas rarezas imposibles de ver de otro modo más tarde en cines comerciales.

Como ejemplos: este año hemos tenido en la Selección EFA películas como la original Kynodontas, del griego Yorgos Lanthimos; la ya comentada última película de Jan Troell: Los momentos eternos de Maria Larsson; la rumana Politist, adj., última película también de Corneliou Porumboiu; Tatarak, de Andrzej Wajda; y Un prophète, de Jacques Audiard.

En Eurimages se encontraban Singularidades de una chica rubia, del centenario Oliveira; Les herbes folles, de Resnais; y la flamante vencedora La cinta blanca, de Haneke. Todas ellas últimas obras de grandes maestros.

Por otro lado, en el terreno de las rarezas, nos encontramos con la lituana Low lights -ya comentada en estas crónicas-, de Ignas Miškinis.

Con un 5% más de presupuesto que el año pasado, el festival ahonda en esta edición en la sonada presencia de estrellas. Como es de esperar, el impacto mediático lo absorben más las personalidades que las películas -mito versus cine-, siendo éstas el núcleo de un festival de cine.
Un ejemplo de esto que digo: El País dedica más de 10 artículos al festival el viernes 6, primer día, y casi ninguno habla de cine; de los ocho días posteriores existe una laguna informativa considerable respecto a las películas que se pudieron ver.

El hecho de que para un cronista haya pasado desapercibido el que de 15 películas, 9 de ellas estaban dirigidas por mujeres, y que, de esas 9, 8 estaban protagonizadas por mujeres, es una buena señal: tengo menos prejuicios de los que imaginaba.

por Alexis Castro

06-11-09

Da comienzo la sexta edición del Sevilla Festival de Cine Europeo un día en el que, donde ya por estas fechas solía haber frío, lluvia y viento, sigue habiendo, como en primavera o en verano, calor y sol.

Dejando a un lado el parte meteorológico, procedamos a meternos en situación: en el día de ayer pude degustar dos magníficas películas; dos propuestas que, si en un primer contraste son radicalmente diferentes, en un segundo pueden servir de plataforma para la reflexión y para indagar, si uno tiene los ánimos suficientes, qué hierve de un extremo a otro de esas dos formas diferentes de concebir el cine; ese insondable y heterogéneo espacio en el que acabamos acudiendo a las múltiples visiones y puntos de vista que se ofrecen, y aceptándolos cada uno dentro de su contexto.

La montaña del conflicto

Por una parte tenemos In the loop, dirigida por Armando Iannucci, una comedia negra -oscura- que ostenta un osado retrato de algo que podríamos nombrar, de modo un tanto inocente, la condición humana.

Película de auténtica incontinencia verbal y humorística, se trata en realidad de una violenta, cruel y mordaz sátira política. Hablo de violencia oral, hablo de cómo este relato nos muestra una serie de personajes cínicos, sin escrúpulos, algunos idiotas, otros trepas… una fauna política más cercana a la psicopatía que a otro tipo de dolencia mental; para trazar, finalmente, un triste y desolador fresco que nos habla de la putrefacción del alma.
Salvajemente divertido, el film se manifiesta como un auténtico rompecabezas acelerado y esquizoide, con unos actores portentosos y con un guión verdaderamente genial.

En contra plantearé una pregunta: ¿la forma de la película garantiza que el fondo llegue al público de la manera que tiene que llegarle? Puede que la respuesta sea un rotundo sí, pero también puede ser que esa manera de realizar, con ese estilo semidocumental -hoy día ya tan impersonal, pero que intenta ser o creerse original-, formula tan apegada a las series de televisión (con el mismo tipo de iluminación funcional, inclusive), juegue un flaco favor en su contra.

Este tipo de empaque es un vehículo para que todo lo que es la enjundia verbal del texto impacte más sobre el público, o que, sencillamente, surta el efecto óptimo al estar en armonía con tan agitada escritura; pero eso hace que se reste una parte importante de carisma, carisma necesaria que ya sacan a relucir de forma pasmosa los impagables diálogos, pero que por la otra parte del film -la forma- queda coja.

“Aún sigo viéndolos como si fuera ayer”

Katyn, penúltimo film del polaco Andrzej Wajda, de un clasicismo sin parangón, aunque áspero, agrio, nos refrescaba la memoria acercándonos a un brutal genocidio acontecido en la II GM; una suerte de mirando hacia atrás con ira, una triste y melancólica revancha polaca. Resumiendo, ¿quién iba a esperar que este octogenario nos ofreciera a estas alturas una propuesta tan arriesgada como la de Tatarak (cálamo)? La cinta es tan fascinante como compleja; o fascinante por su complejidad, mejor.

Distribuida en tres dimensiones de la ficción:

a) El rodaje de una película llamada Tatarak, que está dirigiendo Andrzej Wajda.
b) Los testimonios posteriores al rodaje, en base a monólogos discursivos, de Krystyna Janda, la actriz que interpreta el papel de Marta en la citada película y que en esta otra dimensión se interpreta a sí misma.
c) La propia Tatarak, ambientada en los años 60, basada en el relato corto homónimo del escritor Jaroslaw Iwaszkiewicz.

Las tres caras de la ficción cobran su independencia en la factura y el fondo de cada una de ellas:

a) El rodaje de Tatarak es una especie de making off donde vemos al equipo de rodaje trabajando: maquinistas colocando vías, el equipo de cámara ocupándose de recargar el chasis con nuevas bobinas de celuloide, Andrzej Wajda repasando el guión con los actores…
b) Los monólogos de la actriz real Krystyna Janda se sustentan en un único plano fijo. La actriz habla, se mueve de un sitio a otro de una habitación, se asoma a la ventana, se sienta en una silla, nos da la espalda, y habla, medita.
Bello, oscuro y desgarrado fragmento que nos habla de la muerte.
c) La propia película Tatarak, que es otra en conjunto, claro, a la que vemos. Aquí acudimos a la historia de una mujer madura llamada Marta a la que le queda poco tiempo de vida, pero que desconoce esta premisa. Su marido es médico y el matrimonio perdió a sus dos hijos en la guerra. Marta conoce a un chico rudo e inocente llamado Bogus, y en él quiere ver a sus hijos perdidos.

Lo interesante del film es ver cómo esos tres planos de la ficción se van difuminando y mezclando unos con otros en un ejercicio conceptual y de estilo arriesgado, tremebundo, potente y rabiosamente moderno.

07-11-09

Pecera/Tanque pez

Sergi Sánchez, del Diario La Razón, ha dicho sobre Fish tank, de Andrea Arnold, que es “como una película de Ken Loach, pero bien hecha”.
Loach posee una filmografía tan amplia como irregular, y todas las películas que la integran manifiestan una temática muy definida. Por lo menos la película de Andrea nos plantea una forma diferente de entender el cine social, y, por ende, la realidad de la sociedad.

Estamos en un barrio obrero de la ciudad inglesa de Essex, donde la miseria, el descontrol y la violencia están a la puerta de tu casa. Es de este estrato social del que la cámara de Arnold nos ofrece la visión de la realidad de esa clase (por extensión de la sociedad), pero de una manera diferente, como decimos. Donde Loach manipula abruptamente, Andrea retrata sutilmente. Aquí la desesperación se mezcla con la calidez, la dureza con la belleza de las imágenes.

Destacar, por supuesto, la actuación de la no profesional Katie Jarvies, una chica de la calle que la directora encontró por intuición y que resultó ser perfecta para el papel de Mia, la protagonista. Realmente es ella la que lleva el peso del film con un aplomo y un brío sorprendentes. También destacar la actuación de Michael Fassbender (Hunger, Inglourious basterds) en el papel de Connor. La química entre ambos personajes llega a transmitir un delicado sentimiento de fascinación.

“Deberías cambiarte el suéter”

Politist, adj. Policía, adjetivo., literalmente, se llama la última película del rumano Corneliu Porumboiu, tras su paso triunfal por Cannes hace unos años al ganar la Cámara de Oro a la mejor ópera prima con 12:08, al este de Bucarest (título estrambótico e idiota como pocos, siendo una traducción más fidedigna del rumano al español ¿Ocurrió o no ocurrió?).

Si en A fost sau n-a fost? yo encontraba dos partes diferenciadas que dividían la película, desde el punto de vista del género e incluso estético, Porumboiu ha cogido en esta ocasión ambas partes y las ha difuminado. Ha alargado y profundizado, llevando hasta el límite, la propuesta de su ópera prima y ha vuelto a hacer una película muy extraña, más aún que la anterior, con un humor soterrado, raro, fascinante, que puede surgir de la histeria de contemplar, mediante plano fijo, a un personaje en estado de meditación y espera durante 5 minutos; o puede surgir, también, del ingenio de unos diálogos que versan sobre la discusión acerca de la letra de una canción, mucho más en la línea de su anterior film.

Las descripciones que se llevan a cabo transmiten muy bien el paso del tiempo, el vacío y la desesperación, pero son demasiado exhaustivas y agotadoras que se pierde mucha de la fuerza de la propuesta en no contar nada.

No estoy en contra de no contar nada, porque incluso cuando no se cuenta nada, pero se hace con estilo, se puede llegar a ser fascinante (miremos el último cine de Hsiao-hsien); el problema de esta película es que se hace monótona, repetitiva, estirada, y lo peor es que la risa llega tarde -en un plano muy parecido a los 3 ó 4 que constituyen la segunda mitad de A fost sau n-a fost? llega cuando el espectador ya está agotado.

08-11-09

Hombres en el puente

Köprüdekiler: Men on the bridge, producción turca, es una especie de ficción narrada con los mecanismos del documental.

Carece de total interés más allá de las historias que se muestran, contadas con tan poco encanto que no sólo deja de lado el concepto de entretenimiento, sino que también le es ajeno el calado reflexivo desde un punto de vista mínimamente interesante.

El encanto de un perdedor

Shane Meadows nos ofrece con el falso documental Le Donk and Scor-zay-zee un ejercicio de ingenio y originalidad deslumbrantes.

La película se centra en la vida de un manager de música venido a menos (Le Donk) que ha descubierto a un talento del rap (Scor-zay-zee), y trata de hacerlo triunfar mediante su aparición como telonero en un concierto de los Arctic Monkeys en Manchester, ante 50.000 personas.

Shane Meadows está grabando un documental sobre este personaje histriónico y políticamente incorrecto, por ello para registrar su hazaña se hace de un pequeño equipo que lo va siguiendo a todas partes, hasta a los lugares más personales e íntimos, como la casa de su ex-novia.

El actor que interpreta a Le Donk, Paddy Considine (Hot fuzz, 24 hour party people, Bosque de sombras, Dead man’s shoes) es un portento de naturalidad e incontinencia de un insolente y grosero discurso. Desternillantes, por supuesto, las frases, como dardos, que va soltando este inglés (imitando el acento escocés) de un extremo a otro del film.

Rauchen kann tödlich sein

Bad timing, o Contratiempo como se la conoce en España, de Nicolas Roeg, es la última película de la jornada para un cronista.

Este director inglés, al que el festival dedicó un homenaje llamado Cine de culto Nicolas Roeg -en ocasión de que el país invitado este año era Reino Unido con un ciclo llamado The New Brits-, tenía una especie de vicio a que sus películas las protagonizaran gente de la música, como por ejemplo The man who fell to earth, con David Bowie, o Performance (su ópera prima, co-dirigida con Donald Cammell), con Mick Jagger. En esta ocasión es Art Garfunkel quien protagoniza el film en cuestión.

Denso, estirado, repetitivo, cansino, aburrido… algo bastante penoso y malo, sinceramente. Lo peor de todo son las ínfulas de trasgresión y el supuesto misterio que se le quiere dar a la cinta, cuando lo único que transmite es un deslizante tedio, falta de ideas y una considerable desesperación.

El uso del zoom es una de las técnicas más complicadas de empleo en cine, muy pocos lo saben usar bien, porque es un recurso difícil, que si no se usa con cuidado puede estropear una película, como es el caso, donde la aplicación desmedida y hortera de tal recurso colma de fealdad y mal gusto un film ya de por sí suficientemente nefando.

09-11-09

Felicità

Lourdes, interesante cinta que trata sobre un buen racimo de temas, entre ellos la religión, los milagros, la injusticia y el amor, está dirigida por la austriaca Jessica Hausner, que ya presentó en el Sevilla Festival de Cine Europeo su segunda película, Hotel.

La puesta en escena es sobria, sin efectismos, delicada; pero a la vez vemos también un gran trabajo de composición, donde la propia directora reconoció estar bajo la influencia de la libertad y originalidad creativa del Jacques Tati de Playtime. En concreto habló de cómo fragmenta nuestra atención en un mismo plano mostrándonos varios puntos de interés, o partiéndolo en dos radicalmente diferentes el uno del otro.

Con sutileza y sencillez, con candidez, la directora nos cuenta esta historia que podría parecer frágil, dulce, pero que tiene un reverso oscuro y brutal. “El milagro está ahí”, nos dice. Ciertos temas, como la religión y la iglesia, están tratados con un humor y una ironía perspicaces y afiladas.

Una película extraña, poco convencional, sensible e inteligente, que deja un poso repleto de reflexiones, de ideas y sentimientos, concluida por un final crudo, triste, lúcido.

El profeta rampante

Un prophète, de Jacques Audiard, director de la celebrada De latir mi corazón se ha parado, es un trepidante y encarnecido thriller carcelario.

Todo es modélico en este film, tanto el complejo guión que rehúye la mayoría de tópicos, como la meticulosa y enérgica realización, pasando por las poderosas interpretaciones -magistrales Tahar Rahim y Niels Arestrup-.

Al contrario que en las películas del género fabricadas en Hollywood, la tensión surge aquí del drama, de los diálogos, de las situaciones, de la trama, y no de la acción o de la violencia, de las cuales el film está salpicada brevemente, en concreto con dos escenas escalofriantes por viscerales y por bien hechas.

El clima y la atmósfera generadas tienen una densidad que agrede, que es violenta por su agitación sin llegar a ser explícita o gráfica.

“Tendrás un aspecto muy gracioso a los 50”

La jornada se cierra con la ópera prima de Nicolas Roeg, la película de culto Performance, del año 1970, co-dirigida con Donald Cammell y con guión del mismo.

La película, indudablemente, está cargada de los diez años de la década anterior, y mucho. Con la magnética presencia del actor inglés James Fox (Passage to India, 1984), la cinta es una suerte de hongo alucinógeno hecho celuloide, donde la fotografía está orquestada por el propio Roeg.

Se trata de un manifiesto realmente estruendoso; sonido e imagen saltan de la pantalla como una especie de acelerada y neurótica pesadilla. Es, en resumen, lo que intentó volver a hacer con Bad timing (1979) y no consiguió, pues no la estiró, no la cebó ni la hizo cansina. El cáncer de aquella radicaba en la mezcolanza entre la supuesta psicodélia psicoanalítica y una suerte de trama policial, que en un intento fallido de sumar intriga, restaba, en realidad, potencia a la imagen.

Dicho esto, hay que señalar, sin embargo, que Performance es un film excesivo, sin sentido alguno de la mesura, violento, oscuramente poético, alucinado, pero, ante todo, justificado -porque no se sale de sus márgenes ni de sus intenciones- y con grandes y verdaderos retazos de brillantes (genial la escena musical de Mick Jagger).

10-11-09

Postales turísticas del Sevilla mágico/o cómo nos ven los extranjeros

A las 9 de la mañana se proyecta la co-producción noruego-alemano-española La joven de las naranjas (Appelsinpiken), dirigida por Eva Dahr.

La cosa, dicho rápidamente, es algo muy meloso, una historia fácil, de moraleja obvia, una historia Disney, se diría. Todo muy blando y azucarado. Hecha para pasar el rato, sin mayores pretensiones, con una historia mil veces contada que nada aporta y nada resta. El toque de cuento de hadas que se le dio a la parte rodada en Sevilla es un tanto irritante, por lo menos para una persona con un mínimo de sensibilidad e inteligencia, y más sin encima vive en la ciudad, como es el caso.

Culebrón en Tel Aviv

Después, a las 11:30, se proyectó la producción israelí Jaffa, dirigida por Keren Yedaya.

La mañana no levantó el vuelo con esta película, donde lo único que se salva son las actuaciones, realmente notables. Todo lo demás consistía en otra historia cien mil veces contada, pero mal contada, con un gusto horrible en la fotografía, con un terrible uso del zoom.

Una dirección manierista, académica, estructura este pastiche aburrido y sin interés.

Hombre huesos

Der knochenmann (The bone man), película presentada en la Selección EFA: largometrajes preseleccionados por la European Film Academy para los premios anuales europeos, compitiendo por el voto del público, viene a ser una suerte de Hot fuzz austriaco, y, por suerte y por una vez, viene a ser justo lo que es: una película para pasar un buen rato, que hace pasar desapercibida la tramoya/técnica en pos de una narración y una historia amenas.

No deslumbra, ni tan siquiera alumbra, ya que tiene graves deficiencias en el ritmo y en el crescendo de la trama, pero visto lo visto hasta ese momento aquel día me doy con un canto en los dientes.

Otra vuelta de tuerca

Cae la noche y se proyecta una de miedo de la sección Clásicos favoritos. Selección Jeremy Thomas: The innocents (Jack Clayton, 1961), película de culto donde las haya, basada en la famosa novela -cuya trama Borges elogió- The turn of the screw, escrita por Henry James.
El guión lo firma nada menos que Truman Capote, conjuntamente con William Archibald. La sección consiste en una selección de 10 films de la cinematografía británica por parte del productor Jeremy Thomas, representativos o favoritos.

Creo que una película de este calibre es necesario verla en un cine (pantalla grande) y en cine (soporte original analógico) para apreciar el alcance de su magnitud. Habiéndolo hecho de este modo, afirmo: Los inocentes es una auténtica obra maestra del género de terror, una película densa, sombría, claustrofóbica, con unas actuaciones impresionantes, poseedora de un guión complejo e inteligente, que nos lleva de un lado a otro, que nos hace seguir en vilo a esos dos niños, esos dos inocentes, a través de planos y secuencias memorables, colmadas con claroscuros de una poética gótica que Poe admiraría.

Toda la película es un tour de force de verdadero cine, de un extremo a otro, culminando en un final de lo más inquietante.

Y lo mejor de todo es que de verdad da miedo.

11-11-09

La pantalla global

Adás (Transmisión), segunda película del húngaro Ronald Vranik, se inscribe dentro de una suerte de corriente temática que podríamos llamar ciencia-ficción cotidiana (de la que Cortazar, por cierto, era un maestro). La primicia de que las pantallas del mundo se han apagado, de que la imagen en movimiento no es posible ya más, sirve a este joven director como detonante para desencadenar una serie de mecanismos formales y de fondo.

En los primeros se encuentra la, como mínimo, interesante puesta en escena; imaginativo y original planteamiento visual/estético, ejecutado por una fotografía sombría y magnética y por un extraordinario trabajo de cámara: subyugantes encuadres y movimientos.

En lo segundo tenemos una atractiva historia que es casi una excusa, un mero atributo, relativamente tangencial, que sirve para reforzar y dar mayor relevancia a la imagen. Se diría, acaso, que está contada de tal forma que la imagen cobre esa belleza plástica tan sugerente que posee.

El director nos cuenta, en la posterior rueda de prensa, acerca de sus influencias, y nos dice que vio muchas veces una película del austriaco Ulrich Seidl cuyo nombre no recordaba (presumo que se trata de Hundstage, de 2001). También nos explica que los tonos fríos de la iluminación reflejan la adicción y el síndrome de abstinencia que generan las imágenes y las pantallas.

Con respecto a una nueva generación de jóvenes directores húngaros no quiso pronunciarse del todo, alegando que sí que existe una generación de directores jóvenes en Hungría, pero que todos tienen diferentes estilos y por ello no se podría hablar de nueva ola al estilo francés o italiano.

Para cerrar la crítica, decir que Vranik -quien trabajó como ayudante de dirección de Béla Tarr (de quien dice ser un maníaco, un ser difícil y con una forma de trabajar confusa) en Armonías de Werckmeister (2000)- representa un aire de riesgo dentro de la sección oficial y que, junto con Kornél Mundruczó, son lo mejor que ha dado el cine joven húngaro en estos últimos años y los que más prometen en los sucesivos.